lunes, 21 de diciembre de 2015

2º EVALUACIÓN. TRABAJO VOLUNTARIO: FOTOGRAFÍA


Como os decía esta mañana, quien quiera, quien salga por ahí estas vacaciones, quien se quede... pero a todos aquellos que os guste la fotografía y el retoque digital, o #nofilter,  podéis participar de esta actividad voluntaria.

Se trata de fotografíar aspectos relacionados con el arte: edificios, esculturas, pinturas (sin flash), o elementos y detalles arquitectónicos que hemos visto en clase. La composición ya es cosa vuestra al igual que el acabado. Se trata de que saquéis ese artista que lleváis dentro y del que en la Alta Edad Media hubiese sido imposible presumir.

Con las fotos que hagáis podemos hacer una pequeña exposición si os parece. 

Un saludo. 

Programa de comentarios para las tres evaluaciones




Estas son las fichas que vamos a trabajar este curso. Aunque os parezcan muchas, vamos a trabajar muchas de ellas en clase, además, cada vez tardaréis menos en hacerlas.

La distribución no es fija, ya iremos concretando a lo largo del trimestre.

Comentarios de imágenes

martes, 17 de noviembre de 2015

jueves, 22 de octubre de 2015

TEMA 3. ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO. ACTUALIZACIÓN DE ENTRADAS

Taringa. Mujeres al poder.

TEODORA, TODA UNA MODERNA

Teodora, tras su matrimonio con Justiniano I,  tomó cartas en distintos asuntos concernientes a mejorar la calidad de vida de las mujeres del imperio bizantino, influyendo en su esposo para que codificara el derecho romano en el "Corpus Juris Civilis". Inspiradas por ella aparecieron leyes que defendían la igualdad de la mujer, el derecho al divorcio, la prohibición de castigos por adulterio, el reconocimiento hacia los hijos bastardos y la defensa de sus derechos de herencia, la imposición de penas para los violadores, la posibilidad de abortar y la prohibición de la prostitución forzosa. Además, se encargó de crear planes de rescate para jóvenes que habían sido prostitutas, rehabilitándolas para otros oficios. Tambien promulgó leyes que permitieran que las mujeres pudieran ser propietarias y heredar sumas de dinero o propiedades y además mejoró el sistema de atención a la salud femenina.
(más información en Taringa. Mujeres al poder.



Presentación de imágenes: Tema 3. ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

Vídeos: Videos de Santa Sofía

Curiosidades y Textos: El origen del nombre de los Reyes Magos, las primeras ceremonias religiosas, etc...

lunes, 5 de octubre de 2015

TEMA 1. ARTE CLÁSICO. GRECIA. Ejercicios

Comenta la siguiente imagen según las categorías propuestas.


ERRORES COMUNES A LA HORA DE COMENTAR LA OBRA:

Debería quedar claro, tras leer vuestros comentarios, que sabríais responder a estas preguntas:

- ¿Por qué es una obra griega y no romana?
- ¿Por qué es de la época clásica y no arcaica o helenística?
- ¿Por qué se ha avanzado en el naturalismo? ¿Qué aspectos lo demuestran?
- ¿Por qué es de Praxiteles y no de Policleto?
- ¿Por qué era importante la representación armónica y proporcionada de cada una de las partes? 
- ¿Qué novedades se aprecian en cuanto a la relación entre los personajes?


miércoles, 10 de junio de 2015

TEMA 1. ARTE CLÁSCIO. GRECIA. COMENTARIOS BÁSICOS


La obra propuesta para el comentario muestra el exterior de un edificio de tipología religiosa. Se trata de un templo. Realizado en piedra.

El paramento está trabajado con sillares regulares en aparejo isódomo a soga. El edificio se levanta sobre un basamento que rodea todo el edificio, característica propia de los edificios griegos ya que los romanos contaban con una escalera de acceso que marcaba la fachada y entrada principal de los edificios. El basamento está formado por tres escalones (estereobato, etilobato y crepidoma) y sobre este se levanta el edificio formado por una cámara o naos con dos pórticos, por lo tanto se trata de una construcción anfipróstila. En cuanto al número de columnas es tretrástilo. Estos elementos sustentantes son columnas de orden jónico ya que el fuste acanalado a base de tambores, arranca de una basa y remata en un capitel jónico con ovas. Sobre los capiteles descansa un entablamento formado por un arquitrabe con tres platabandas lisas, un friso decorado con escultura en medio-alto relieve y una cornisa volada. Este mismo tipo de entablamento se repite en el orden corintio, pero no en dórico, donde aparecerían los triglifos y las metopas.  Sobre la cornisa, aunque en la realidad se ha perdido, estaría el frontón triangular con un tímpano decorado con esculturas y una cubierta a dos aguas.

Por estas características podemos decir que se trata del templo de Atenea NIké, de estilo griego, en su etapa clásica (s.Vac). Fue mandada construir por Pericles y realizada por Calícrates. Está situado en la Acrópolis de Atenas, ciudadela sagrada, al lado de los Propileos. Se encuentran también  en la acrópolis otros templos como el Partenón y el Erecteion. Este templo se construyó en honor a la diosa Atenea Victoriosa por la victoria en la batalla del Peloponeso.

El templo de Atenea NIké destaca por su pequeño tamaño y por el lugar apartado donde se erige. No podemos olvidar que los griegos no elegían el lugar de construcción, sino que este estaba marcada por alguna presencia de la divinidad, se trataba por tanto de un recinto sagrado o témenos. El templo, de acuerdo con el concepto de belleza griego, sigue unas proporciones armónicas basadas en cálculos matemáticos y en correcciones ópticas como el abombamiento del basamento y el éntasis de los fustes. Otra característica del arte griego es la utilización de la escala humana, a diferencia del arte egipcio y romano que tendieron a escalas colosales, reflejo de la grandeza de sus imperios.

jueves, 4 de junio de 2015

TEMA 17. ARQUITECTURA DEL S. XIX: MODERNISMO.GAUDÍ. COMENTARIOS (en proceso)

http://viajes.chavetas.es/guia/cataluna/los-misterios-de-la-sagrada-familia/
En este artículo quiero reunir las ideas y conocimientos de los libros que he manejado últimamente, a parte de un comentario sencillo.

El origen de este templo expiatorio se encuentra en la voluntad de la Asociación Espiritual de Devotos de San José, que en 1872 promovió la idea de construir un templo dedicado a la Sagrada Familia. Para su construcción, en 1881 se compró una manzana del ensanche  que en ese momento era todo campo y se encargó el proyecto a Francisco de Paula del Villar, que trazó un templo neogótico muy parecido al de la Catedral de León salvo por la anchura de las naves.

El trazado del ensanche impide la correcta orientación del templo al este, y aunque más adelante Gaudí quiso corregir el proyecto original con una planta trazada en la diagonal de la manzana, finalmente se mantuvo el original , orientada al noroeste.

Durante los primeros treinta años, Gaudí no prestó mucha atención a esta construcción que crecía a ritmo de los donativos, pues no había ayuda institucional. Además, Gaudí se hallaba inmerso en diversos proyectos. No será hasta 1913 cuando se dedique por entero  y de forma obsesiva a esta obra, trabajo que se interrumpirá en 1926 cuando muera atropellado por un tranvía.

Las características técnicas de este templo son muy originales. Aunque nació como templo neogótico, en manos de Gaudí derivó a  soluciones diferentes como la proyección de 18 torres perforadas que permiten una iluminación cenital y llegan a alcanzar los 100m de altura. La concepción de estas torres tiene un marcado carácter simbólico.




12 torres de 100m que representan a los apóstoles; 1 torre de 170m representa a Jesucristo, 4 torres de 128m que representan a los Evangelistas y 1 torre de 120m que representa a la Virgen María.

Gaudí solo llegó a realizar la fachadad el Nacimiento, aplicando en este caso las características propias del modernismo ondulante y logrando un tratamiento blando de la piedra, al igual que realizará en la casa Milá.  La estatuaría presenta un aspecto naif.

Técnicamente los arcos no generan empujes a la manera gótica y las bóvedas están tabicadas, aspecto que asombró a Le Corbusier. La luz penetra en el edificio por los lucernarios centrales de las bóvedas y las vidrieras laterales.



Tras la muerte de Gaudí, numerosos arquitectos participarán en la construcción del templo. Durante  la Guerra Civil Española, unos revolucionarios incendian la cripta, queman las Escuelas Provisionales de la Sagrada Familia y destruyen el obrador. Se pierden los planos, los dibujos y las fotografías originales, y algunas de sus maquetas de yeso a escala queda hechas añicos. Desde 1985 hasta el año 2012 se ha ocupado de la obra Jordi Bonet Armengol y Jo rdi Faulí Oller le ha tomado el relevo en nuestros días.

http://www.periodistadigital.com/religion/opinion/2014/07/04/gaudi-el-arquitecto-de-dios-religion-iglesia-sistach-osservatore-beatificacion.shtml

Anécdotas curiosas: 

- Un momento importante es el año 1955, cuando se lleva a cabo la primera "colecta": un día entero dedicado a recoger fondos para pagar las obras. Esta iniciativa se mantendrá en los años siguientes, hasta hoy, como una forma de participación de la sociedad en la construcción del templo. 

A partir de 1978, se construyen los cimientos de la nave y el crucero, y se levantan las columnas, las bóvedas y las fachadas de la nave principal y los transeptos.

Las tareas principales actuales y de los años venideros se basan en la construcción de la primera sacristía (poniente) y la de las torres centrales: la de Jesucristo, las de los cuatro evangelistas y la de la Virgen María, las cinco últimas ya iniciadas. El templo se completará con la construcción de la fachada principal, la de la Gloria. 

- el mayor problema al que se enfrenta actualmente es al tunel de AVE, ya que desconocemos como afectarán los temblores al edificio a largo plazo. 



Marco histórico: 

El marco histórico en el que se desarrolla el modernismo es la revolución industrial. La revolución industrial reorientó la procedencia y acumulación del capital que tradicionalmente provenía de la agricultura. España participó poco de esta revolución europea debido a la inestabilidad política del momento; solo Cataluña y País Vasco, de tradición industrial, mantuvieron sus factorías textiles y del acero. En 1836 y 1855 tienen lugar la desamortizaciones de bienes públicos y eclesiásticos, situación aprovechada por una burguesía cada vez más enriquecida.

En el terreno artístico se produce un interés por el diseño que llevará a la recuperación de los antiguos oficios para aplicarlos al diseño industrial. Será la burguesía la mecenas de estos artesanos  y del modernismo catalán.

Actualmente es el edificio más visitado de España.



COMENTARIO BÁSICO



La obra propuesta nos muestra la fachada de un edificio de tipología religiosa realizado en piedra. Se trata de una iglesia. 

El tratamiento del paramento  en este edificio es poco academicista. En la parte de la fachada el acabado de la piedra es rugoso y blando, nos recuerda al modernismo ondulante, donde los materiales quieren imitar los valores plásticos y sinuosos de la naturaleza, mientras que la nave, de estilo neogótico, se ajusta más a los cánones con una disposición convencional de los materiales. 

Destaca el predominio del muro sobre el vano, a la manera gótica, con un aparejo reducido a nervios y un esqueleto que alberga las numerosas vidrieras y rosetones. Los vanos de la fachada y las naves son apuntados, siendo estos últimos geminados y decorados con tracería gótica. 

Si analizamos la fachada, observamos el esquema compositivo gótico tradicional con una entrada en tres vanos, siendo el central de mayor altura. Estos vanos, al igual que los de todo el edificio son  apuntados y están rematados por un gablete. Del segundo piso arrancan cuatro torres de sección cilíndrica y de gran altura cuyos cuerpos se perforan con una tracería original y rematan en cruces decoradas con fragmentos de cerámica y azulejos de colores, técnica típica del artista catalán Antoni Gaudí llamada trencadís. Aunque la fachada en conjunto podría parecernos una fachada unitaria típica barroca, si nos detenemos un poco más, descubrimos esa organización espacial. 

Por estas características podemos concluir que se trata del modernista templo expiatorio de la Sagrada Familia de Antoni Gaudí. Se trata de un templo encargado por iniciativa privada, a través de donativos. Los mecenas de la obra son  la Asociación Espiritual de Devotos de San José que en 1881 encargaron esta obra a Francisco de Paula del Villar, que trazó un templo neogótico muy parecido al de la Catedral de León pero con una mayor altura en las naves. La elección de este estilo era acorde a los gustos historicistas del momento, que buscaban recuperar y reinterpretar los estilos anteriores. A este estilo también se le conoce como "Historicismo" o "Eclecticismo". La obra, todavía sin terminar, prevé concluirse en 2026 conmemorando así el centenario de la muerte del artista. 

En este caso, Gaudí opta por un modernismo ondulante que reacciona a la frialdad del racionalismo de la arquitectura de la Escuela de Chicago y los protorrascacielos. 

La Sagrada Familia es un edificio muy original. Su planta presenta 18 torres de diferentes alturas, siendo la de Jesucristo la más elevada, ya que alcanza los 170m. El resto corresponden a los apóstoles, los evangelistas y la Virgen María. El tratamiento blando de la piedra que imita formas vegetales y rocas vincula la obra directamente con Gaudí, al igual que sucede en su obra La Casa Milá. La cerámica y el azulejo vistiendo de colores las originales formas del artista son su sello de identidad. 

Gaudí trabajó para la burguesía catalana, algunos de sus mecenas fueron Eusebi Güell, para quién construyó una residencia y el famoso parque. A parte del modernismo de las casas Milá y Batlló,  Gaudí realizó edificios neogóticos como la Casa de los Botines y el Palacio de Astorga, en León; eclécticos como el Capricho de Cómillas, y la casa Vicens.



Fuentes:

AROCA, Ricardo.  La Historia Secreta de los Edificios, Barcelona: Ed. Espasa, 2013,

http://www.sagradafamilia.cat/sf-cast/docs_instit/historia.php

lunes, 1 de junio de 2015

TEMA 0. RECURSOS: REPASO BÁSICO

las presentaciones básicas de elementos artísticos, ahora más fáciles de visualizar a través de

SlideShare.









TEMA 21: PICASSO, DALÍ Y MIRÓ. COMENTARIOS BÁSICOS (DEDUCTIVOS).




La obra propuesta es una obra pictórica figurativa, de tipología costumbrista realizada al óleo sobre lienzo. Represnta  cinco figuras femeninas de cuerpo entero, que miran al espectador. 

En cuanto a los aspectos técnicos destaca la pincelada suelta y ancha que forma grandes manchas de color planas, pero no tanto como en los autores postimpresionistas fauvistas.  En este caso vemos la utilización de tonos más claro para conferir algo de volumen y definir las anatomías. Este recurso fue utilizado también en la vestimenta del fresco del Pantocrator de San Clemente de Tahull, de estilo románico.  En este caso, no es pigmento blanco, si no el tono del propio lienzo, técnica denominada "respiración en blanco". Las formas aparecen delimitadas por un trazo negro que se compbina con partes sin delimitar pero cuyo perfil se recorta sobre el fondo de la composición.  Algunas zonas se presentan inacabadas. La gama cromática juega con los colores complementarios azul y naranja, recurso ya utilizado por los impresionistas de finales del XIX. A estos tonos se suman blancos, ocres y granates aportando constraste y fuerza expresiva. 

Las figuras se diponen ocupando la mayor parte del lienzo, en posiciones variadas pero todas ellas mirando al espectador. En el primer plano destaca un bodegón de trazo esquemático pero que recuerda al Almuerzo campestre de Manet y a los bodegones de Cezanne, aunque mucho menos plástico y queno sigue las leyes de la perspectiva tracdicional. Como antecedentes lejanos estarían los bodegones de la pintura barroca de Caravaggio. Juega también con los puntos de vista, combinando el alto para las mujeres de pie y bajo para la mujer sedente.

La composición, con un fondo neutro en el que solo identificamos un cortinaje, rompe con la profundidad espacial huyendo de una representación académica y acercándose a un nuevo lenguaje pictórico basado en la descomposicón en planos de los objetos.  Es decir, se acerca al lenguaje cubista propio de las vanguardias del s.XX. 

Formalmente, las mujeres aparecen representadas de manera antinaturalista. Son representaciones esquemáticas y geométricas. Las dos centrales con una posición que nos recuerda a las venus clásicas, lo que contrasta con las otras mujeres cuyos rostros se conciben como máscaras africanas, arte muy apreciado a principios del s.XX que Picasso incluirá en sus obras. Otra influencia notable en el tratamiento de los cuerpos estaría en las bañistas de Cezanne, precursor del cubismo y que influyó notablemente en Picasso. Reforzando esta carácter anguloso y cubista se disponen las telas con las que se cubren el cuerpo algunas de las mujeres. 

Aunque las mujeres no se comunican entre sí, sí lo hacen con el espectador, haciéndole partícipe de la escena, recurso ya utilizado por Manet en su Olimpia. 

Por estas características podemos decir que se trata deuna obra protocubista del pintor malagueño Pablo Ruiz Picasso realizada en 1907 y que lleva por título "Las Señoritas de Avignon". Esta obra representa a cinco señoritas que trabajaban en un prostíbulo de Barcelona. Lo más destacado de esta pìntura es la transición hacia el Cubismo una vez que ya se ha abandonado el estilo academicista basado en la representación de la perspectiva, el volumen y la luz de manera naturalista, y es también un paso más respecto a las primeras vanguardias, a pesar de la influencia de Cezanne. Poco a poco el Cubismo se irá desarrollando dando lugar a composiciones más complejas, afacetadas  y menos coloristas como vemos en sus obras cubistas analíticas, y más planas y policromas en el cubismo sintético. De este estilo destaca también el Guernica. 

Pablo Picasso abre y cierra el s.XX convirtiéndose en el pintor má representativo de nuestra época ya que su obra recoge diferentes estilos y disciplinas. Obras suyas se reparten por los más prestigiosos museos internacionales, y cuenta con museos propios en Málaga y París. 







http://www.italy24.ilsole24ore.com/

Nos encontramos ante una obra de pintura  figurativa, de temática costumbrista en la que aparece representado un pintor y su modelo en un estudio. Óleo sobre lienzo.

Analizando las características técnicas distinguimos una pincelada rápida y suelta, dispuesta en manchas planas y con alguas gradaciones tonales que buscarían crear un incipiente volumen. Las formas aparecen delimitadas por un trazo negro, rasgo medieval que fue recuperado por los postimpresionistas, aunque ya Goya y Manet comenzaron a utilizarlo en el s.XIX.

La gama cromática está limitada a grandes manchas de colores primarios y el fondo verde. Estos tonos constrastan con la intensidad de los negros y blancos.

Se trata de una obra donde podemos distinguir al pintor con su paleta y caballete, en frente del cual, se halla sentada en una silla la modelo desnuda. El caballete actúa de eje de la composición otorgando cierta simetría que recuerda el esquema compositivo de Los jugadores de cartas de Cezanne. Los personajes están dispuestos en un primer plano  que ocupa todo el lienzo. El tratamiento del fondo es prácticamente neutro a excepción del cortinaje rojo que nos transporta a la pintura barroca del s.XVII. Junto al cortinaje, el otro elemento de referencia que ubica la obra en un espacio tridimensional son las grandes manchas amarilla y verde que actúan de pared y suelo.

Podemos observar una despreocupación por la representación de la perspectiva, característica típica del arte de vanguardia de finales del s.XIX y primera mitad del s.XX, que busca romper con el academicismo y las formas de representación tradicionales.

Las figuras se representan de forma antinaturalista, con una tratamiento de la anatomía plano y caligráfico, pero alejado de los cánones medievales. Los ojos de la modelo, grandes y distantes,  nos recuerdan a los rosotros realizados por Picasso en las Señoritas de Avignon,

Por todas características podemos concluir que se trata de una obra del gran artista español y padre del Cubismo, Pablo Ruíz Picasso, La obra se titula El pintor y La Modelo (1963), que forma parte de un conjunto de obras de esta mismo temática. Se trata por tanto de la representación de arquetipos : el desnudo y la pereja como forma de representación de las relaciones sentimentales. La modelo suele ser su pareja Jaqueline, con quien compartió sus últimos años. El gran dominio de la línea y la representación de formas planas con potentes perfiles y manchas planas, identifican esta etapa figurativa del artista.




lunes, 11 de mayo de 2015

HUMOR: SI APARECE......

Aquí os dejo unas ilustraciones sobre la identificación de artistas, en clave de humor. No encuentro el enlace directo. Solo sé que estaba en el perfil de Facebook de un grupo de creativos llamados roastbrief


martes, 3 de marzo de 2015

TEMA 12. BARROCO ITALIANO. INTRODUCCIÓN.

http://art-en-vena.blogspot.com.es/2012/04/arquitectura-barroca.html
Algo de lo que hemos hablado en clase es de la vinculación entre el arte Barroco y el teatro. Si la finalidad del teatro es deleitarnos con un mundo maravilloso de luz y fastuosidad, ¿Por qué un artista que proyectara una iglesia no tendría perfecto derecho a ofrecernos una idea de pompa y magnificencia aún mayores para hacernos pensar en las de la mansión celeste? 

Cuando entramos en estas iglesias comprendemos mejor cómo fueron empleadas en ellas deliberadamente la pompa y la ostentación de las piedras preciosas, el oro y el estuco para evocar una visión de la gloria celestial mucho más concreta que en las catedrales medievales.

La fastuosidad de las iglesias católicas contrastaba con la austeridad protestante, y es que los planteamientos eran muy diferentes,  de hecho eran contrarios. Cuanto más predicaban los protestantes contra el aspecto  externo de las iglesias, más afanosa se volvía la Iglesia romana en desarrollar un programa iconográfico y decorativo. El orbe católico descubrió que el arte podía servir a la religión de un modo que iba más allá de la tarea medieval de enseñar la doctrina a la gente que no sabía leer. También podía persuadir y convertir a aquellos que habían leído demasiado. Se buscaba el efecto del conjunto más que los detalles. Espacios diáfanos, abundante decoración de estucos y dorados, revestimientos de mármoles de colores, velas encendidas en el altar, aroma a incienso y acordes del órgano transportaban al fiel del s. XVII a un mundo distinto. 


http://www.vigoenfotos.com/roma/iglesia_san_agnese_in_agone_1.html#.VPYBlfmG_To

Las imágenes representan el exterior e interior de la Iglesia de Santa Inés en al Agonía en Roma, realizada por Francesco Borromino y Carlo Rainaldi (1653).

El texto está extraido de "La Historia del Arte" de EH Gombrich, porque creo que este autor explica la esencia del arte de manera muy clara y fácil de entender. 

TEMA 12. BARROCO ITALIANO. ARQUITECTURA. IL GESU.

http://terundaskola.rajce.idnes.cz/DVK_baroko_arcitektura/?order=create&src=1


Dice E.H. Gombrich en su libro "La Historia del Arte", que el término Barroco surgió de manera peyorativa para definir lo absurdo y lo grotesco, y que además, fue utilizado por personas que insistieron en que las formas de los edificios clásicos nunca debían ser aplicadas o combinadas de otra manera que como lo fueron por griegos y romanos. Desdeñar esas reglas estrictas de la arquitectura antigua les parecía a esos críticos una lamentable falta de gusto.  

El problema que señala Gombrich para el espectador actual en cuanto a la percepción de lo novedoso y lo erróneo radica en la multitud de estilos arquitectónicos que conviven en las ciudades cuyos edificios a veces desafían las reglas de la arquitectura o simplemente las desconocen. El espectador actual, por tanto, se vuelve insensible a estas alteraciones de estilo.

Esto mismo nos sucedería si paseando por las calles de Roma topásemos con la fachada de Il Gesú, a simple vista, una fachada como otra cualquiera. Pero es ahora, cuando intentamos ponernos en los ojos de un romano del siglo XVI, cuando entendemos que resultó ser el más revolucionario de los edificios.

No fue una iglesia más en Roma, fue la iglesia de la recién fundada Orden de los Jesuitas, quienes debían combatir el protestantismo en toda Europa. Su forma debía corresponder a una concepción nueva e insólita, elaborándose para ello una planta nueva que fuese aceptada en todos los países europeos. La iglesia tendría forma de cruz pero coronada por una gran cúpula. Esta nave sería muy amplia para que los fieles se congregasen con holgura, al final de la nave se situaría el altar y tras él, un ábside semejante al de las basílicas primitivas. Para atender las devociones de los santos particulares (recordad que en el protestantismo el culto a los santos no existía), se abren capillas a cada lado de la nave. Se obtenía así un espacio diáfano, apto para el culto cristiano católico e iluminado a través de la gran cúpula.


En cuanto a la organización del exterior, Giacomo della Porta introduce novedades en la fachada respecto de estilos anteriores. ¿Cuáles puedes identificar? 

http://panoramicearth.blogspot.com.es/2006/10/il-ges-principal-jesuit-church-rome.html

viernes, 13 de febrero de 2015

Venus, Eros y el amor. Comparamos imágenes y las facetas del amor.



En las teogonías más antiguas, Eros es considerado como un dios salido directamente del Caos primitivo o bien, según otra tradición, nacido del huevo original que engendró la Noche, cuyas dos mitades formaron la Tiera y el Cielo al separarse. Sin embargo, cabe destacar la asignación de Eros con otros mitos genealógicos. A veces se le tiene por hijo de Ilitia, de Iris o de Hermes y Ártemis; pero la tradición más generalmente aceptada atribuye Eros como hijo de Hermes y Afrodita. Eros ha ido adquiriendo su fisonomía tradicional como un niño con alas -a veces sin ellas-, que se divierte llevando el desasosiego a los corazones, o bien los inflama con su antorcha o los hiere con sus flechas.



martes, 3 de febrero de 2015

TEMA 10. CINQUECENTO: BREVE BIOGRAFÍA DE LEONARDO DA VINCI, CURIOSIDADES y ENLACES


 
Leonardo da Vinci es el prototipo de hombre del Renacimiento, Uomo Universale, infinitamente creador. Combinaba genialmente las observaciones de la naturaleza más objetivas con una pasión por la penetración artística de la realidad invisble. Su pintura influirá en muchos artistas a lo largo de los siglos.

Leonardo da Vinci (1452-1519), fue aprendiz durante cinco años en uno de los principales talleres florentinos, en el del pintor y escultor Andrea Verrochio. En este taller aprendió a fundir metales, preparar cuadros y estatuas, estudiar modelos desnudos y vestidos, plantas y animales curiosos, leyes ópticas de la perspectiva y el empleo de colores. Leonardo sobresalía en todas las disciplinas, él era un artista florentino y no un intelectual. Juzgaba que la misión del artista era  explotar el mundo visible, tal como lo habían hecho sus predecesores, solo que más cabalmente, con mayor intensidad y precisión.  
Leonardo no confiaba más que en lo que examinaba con sus propios ojos y ante cualquier problema intentaba un experimento para resolverlo por su cuenta.

Diseccionó más de treinta cadáveres, investigó las leyes del oleaje y de las corrientes marinas; pasó años analizando el vuelo de los insectos y de los pájaros para diseñar una máquina voladora. Estudió también la forma de las nubes , la modificación de los colores de los objetos producidos por la armósfera, la armonía de sonidos….


Entre los dibujos más destacados se encuentra el de un feto, elaborado con tiza roja (EFE).
http://mexico.cnn.com/entretenimiento/2012/04/30/dibujos-ineditos-de-leonardo-da-vinci-muestran-su-pasion-por-el-cuerpo



Fue considerado en su época un ser extraño y misterioso. Príncipes y generales deseaban, en 1482 se traslada a Milán, a la corte de Ludovico Sforza, donde a parte de retratista trabajará diseñando fortificaciones y canales, armas y artificios nuevos. Durante su estancia en Milán recibirá numerosos encagos de temática religiosa y desarrollará la técnica del difuminado o sfumato.

Era zurdo  y escribió de derecha a izquierda por lo que sus notas solo pueden leerse con un espejo. Puede que no quisiera que se divulgaran sus escritos  ni sus descubrimientos por temor a que se consideraran heréticas sus opiniones y es que Leonardo, antes que Copérnico y Galileo afirmó “El sol no se mueve”. 

Tampoco se consideraba un hombre de ciencia, solo quería enriquecer su conocimiento y con ello su arte. Otorgar a sus pinturas una base científica, ennoblecería la disciplina artística, abandonando la consideración social de humilde artesanía que arrastró en la época medieval.

Trabajaba de manera irregular, sin terminar muchos de sus encargos; además, declaraba insistentemente que era él quien decidiría si un cuadro estaba terminado o no y podía, por tanto, salir de su taller. Es por este motivo que hay tantas obras inconclusas, a lo que se suman los constantes viajes a Milán, Roma y a la corte de Francisco I en Francia, - éste le regaló un finca donde vivió con grandes honores- Allí, en Francia, murió en 1519. En esta última etapa pintará la Monalisa (1503).

Bibliografía


KRAUBE, Anna Carola. Historia de la Pintura del Renacimiento a nuestros días. Ed. H.F.Ullmann. 2014 (Postdam, Alemania).

GOMBRICH, Ernest.H, la Historia del Arte. Ed. Phaidon. (Reimpresión 2013), Londres.

martes, 27 de enero de 2015

miércoles, 21 de enero de 2015

ACTUALIDAD/HUMOR. ARTLEXA CHUNG



La it girl del momento (o una de ellas), Alexa Chung, protagoniza un espacio en tumblr, donde alguien con buena memoria ha establecido relaciones entre obras de arte y fotografías de la modelo/presentadora/Dj... con bastante acierto. Aunque sea un trabajo de un fan, y su función la de sorprender y entretener, a mí me ha descubierto algunas obras de arte y recordado otras tantas. A todos los que nos gusta el arte nos hace gracia estas cosas, y si eres fan de Alexa, más. 


jueves, 15 de enero de 2015

ACTUALIDAD: LA ARQUITECTURA EN LOS BILLETES.



Pinchando el enlace llegaréis a un blog donde se establecen comparaciones entre la arquitectura elegida para decorar los billetes de euro y obras o elementos arquitectónicos reales. Es bastante curioso. 

lunes, 12 de enero de 2015

TEMA 10. CINQUECENTO: ESPECIAL CAPILLA SIXTINA


Video sobre la restauración de la Capilla Sixtina. 




Video sobre la Capilla Sixtina de Khan Academy.

El vídeo esta en inglés pero permite ver el Juicio Final con detalle y con el colorido actual, tras la restauración. Capta las escenas principales, los detalles, algo que no sería posible observando esta obra en conjunto.





Khan Academy es una gran academia on line. Cuenta con un espacio dedicado a la Historia del Arte pero también con recursos para todas las asignaturas, enm inglés, y recientemente en castellano.



La web en castellano: https://es.khanacademy.org/

jueves, 8 de enero de 2015

https://twitter.com/stephen_strydom/status/552848478196736000/photo/1

https://twitter.com/tony_st_laurent/status/552893171978739712/photo/1